奥赛博物馆（Musée d'Orsay）就坐落在法国巴黎塞纳河左岸，河对岸正对着卢浮宫, 从塞纳河上看奥赛博物馆是这样的。
奥赛博物馆原本是奥赛火车站（Gare d'Orsay），建于1898年至1900年，当时是专门为1900年巴黎世博会接待贵宾和长途列车旅客而建。后来，火车站因月台过短而被废弃，1977年法国政府决定将其改建为美术馆，最终于1986年12月9日正式开放。奥赛博物馆主要收藏1848年至1914年期间的西方艺术作品，涵盖绘画、雕塑、摄影、装饰艺术等。其最大亮点是世界上最丰富的印象派和后印象派收藏，包括：
印象派大师：莫奈（Claude Monet）——《睡莲》《鲁昂大教堂》《草地上的午餐》；马奈（Édouard Manet）——《草地上的午餐》《奥林匹亚》；雷诺阿（Pierre-Auguste Renoir）——《煎饼磨坊的舞会》
后印象派大师：梵高（Vincent van Gogh）——《自画像》《星夜》，《阿尔的卧室》；高更（Paul Gauguin）——《我们从哪里来？我们是谁？我们往哪里去？》；塞尚（Paul Cézanne）——《玩纸牌的人》《圣维克多山》
现实主义 & 象征主义艺术家：米勒（Jean-François Millet）——《拾穗者》《晚祷》；库尔贝（Gustave Courbet）——《世界的起源》《筛麦妇》；穆夏（Alphonse Mucha）——新艺术风格作品。
奥赛博物馆的独特之处在于将它的历史底蕴和所收藏的艺术珍品完美地融合在一起。高耸的拱形玻璃屋顶洒下柔和的光线，映照着一件件穿越时空的杰作。来到巴黎，我们第一个参观的博物馆就是它。因为从住处过桥，走不远就到达奥赛博物馆，让我们一同重温那些让我们仰慕很久的一些艺术品，感受它们所散发出的一些魅力吧。
走到奥赛博物馆门前，就会看到几个人物雕像和一座非常引人注目的青铜犀牛雕像，它们都源于19世纪的艺术和历史背景，具有一定的象征意义和故事。
犀牛雕像的故事，创作时间：原版约在1878年， 由雕塑家Henri-Alfred Jacquemart（亨利-阿尔弗雷德·雅克马）制作。这尊青铜犀牛最早是为1878年巴黎世界博览会（Exposition Universelle）制作的，当时它与其他动物雕像一起陈列在特罗卡德罗宫（Palais du Trocadéro）前。20世纪博览会结束后，这些动物雕像被移走，犀牛雕像最终在奥赛博物馆外重新安置。犀牛代表了19世纪法国对异域文化和自然世界的兴趣，也表现了工业革命时代对自然的观察和再现。
人物雕像：六座城市的寓言雕像
奥赛博物馆门前的台阶上，分布着六座大型人物雕像，分别象征下面法国六大城市，也是为1878年巴黎世界博览会而作。这些雕像以女性形象象征各城市的文化、经济和历史特征，比如马赛以航海著称，里昂代表丝绸贸易，雕像风格为19世纪晚期典型的新古典主义，体现当时法国对自身文化与历史的自豪感，
- 波尔多（Bordeaux）
- 里尔（Lille）
- 南特（Nantes）
- 马赛（Marseille）
- 里昂（Lyon）
- 鲁昂（Rouen）
奥赛博物馆的灵魂：宏伟的大厅与历史的印记
当我们走进奥赛博物馆，首先映入眼帘的便是其壮观的中央大厅，确实有点像进入了一个火车站，这座由昔日火车站改造而成的艺术殿堂，完美地保留了其工业时代的宏伟结构。前方有一座自由女神像！是法国雕塑家弗雷德里克·奥古斯特·巴托尔迪 (Frédéric Auguste Bartholdi) 为巴黎创作的几座小型复制品之一。它的存在就代表了法美两国之间的友谊，也为奥赛博物馆增添了一份意想不到的惊喜。
在博物馆的主大厅内有许多雕塑，背景中的玻璃穹顶和装饰性墙面也是奥赛博物馆的标志性建筑特征。在大厅的一端，悬挂着一个巨大的、极具象征意义的时钟。这个古老的时钟曾是奥赛火车站的标志，如今依然精准地记录着时间的流逝，仿佛在提醒着我们，艺术是永恒的，而时间则在不停地向前。
下面这件作品是法国雕塑家皮埃尔-朱尔·卡维利耶 (Pierre-Jules Cavelier, 1814-1894) 创作的白色大理石雕塑，名为 《佩涅洛佩》(Pénélope)，完成于1849年。雕塑描绘的是荷马史诗《奥德赛》中的人物佩涅洛佩，她是英雄奥德修斯的忠贞妻子。在奥德修斯远征特洛伊并历经二十年才得以返乡期间，佩涅洛佩为了抵挡众多追求者的纠缠，声称自己必须先为公公拉埃尔特斯织好寿衣才能改嫁。然而，她每晚都会将白天织好的部分拆掉，以此拖延时间，苦等丈夫归来。雕塑捕捉了她因疲惫而沉睡的瞬间，手中可能还握着纺锤或纱线，象征着她日复一日的劳作与坚贞不渝的等待。
这件作品在当时获得了极高的赞誉，在1849年的巴黎沙龙上获得了一等奖章和荣誉奖章。评论家们称赞其结合了自然主义、对古希腊罗马艺术的借鉴以及温和的浪漫主义情感，尤其是对衣褶的处理展现了高超的技艺。著名文学家、艺术评论家泰奥菲尔·戈蒂耶 (Théophile Gautier) 曾因此作称卡维利耶为当代最伟大的雕塑家之一。
下面这件雕塑是法国雕塑家奥古斯特·克莱辛格 (Auguste Clésinger, 1814–1883) 于1847年创作的大理石作品，名为 《被蛇咬伤的女人》(Femme piquée par un serpent)。
这件雕塑在1847年的巴黎沙龙上展出时，引起了巨大的轰动和争议，成为当时艺术界和公众热议的焦点。争议主要围绕以下几点：
惊人的写实主义： 克莱辛格在这件作品中展现了极高的写实技巧。据传闻，雕塑的身体部分是直接从真人模特身上翻模制作的，这种做法在当时被认为是对艺术创作完整性的挑战，有投机取巧之嫌。模特的身体细节，例如大腿上部略显凹陷的肌肤（有时被指为脂肪团或橘皮组织），都如实地呈现出来，这与当时流行的新古典主义理想化的裸体表现大相径庭。
为这件作品充当模特的是当时巴黎著名的交际花阿波罗妮·萨巴蒂耶 (Apollonie Sabatier)，她也是诗人夏尔·波德莱尔 (Charles Baudelaire) 的缪斯女神，被称为“总统夫人”(La Présidente)。她的身份为作品增添了更多话题性。
主题的暧昧性： 尽管标题点明是“被蛇咬伤”，但雕塑中女子扭曲、伸展的姿态以及迷离的表情，使得许多评论家和观众认为其表现的并非痛苦，而是极致的欢愉或性高潮。蛇（缠绕在手腕处）的出现被一些人解读为仅仅是为了给这种大胆的裸露和情色暗示提供一个名义上的借口。当时的《两个世界评论》(Revue des deux Mondes) 尖锐地评论道：“标题和蛇不过是向评审团做的妥协！他们想愚弄谁！这个女人并非在承受痛苦，她是在享受！”
雕塑中的女性横卧在饰有花朵的基座上，身体剧烈地扭动，展现出强烈的动态感和情绪张力。克莱辛格对人体解剖的精准把握和对大理石材质的细腻处理，使得人物的肌肤和肌肉线条充满了感官上的吸引力。
尽管备受争议，这件作品的成功也为克莱辛格带来了巨大的声名。它挑战了当时学院派艺术的规范，并在一定程度上推动了现实主义在雕塑领域的发展。
这件《被蛇咬伤的女人》是19世纪法国雕塑中一件极具代表性和话题性的作品，它反映了当时社会在道德观念、艺术表现和现实主义思潮之间的碰撞。
下面这件雕塑也是法国艺术家克莱辛格 （Jean-Baptiste Auguste Clésinger，1814–1883）创作的作品，标题为《缪斯之死》（La Muse Mourante / The Dying Muse），克莱辛格 是19世纪著名的雕塑家，以浪漫主义风格的表现力而闻名。
这尊雕像描绘了一位坐姿悲伤、低头沉思的女性缪斯，旁边是一把断弦的里拉琴（象征诗歌或音乐灵感的断绝），象征创作灵感或艺术生命的消逝。这件作品常被解释为对失去灵感或对艺术生命结束的挽歌，非常具有象征意义。
这尊骑马雕像是“Napoléon Ier”（拿破仑一世），雕塑家是 Antoine-Louis Barye（安托万-路易·巴里，1795–1875），创作时间大约 是1850 年。 拿破仑·波拿巴（Napoléon Bonaparte）骑在战马之上，身披帝王斗篷，神情自信威严。
下面这座《罪恶之后》（"Ève après le péché" / “Eve After the Fall”），雕塑家是Eugène Delaplanche（欧仁·德拉普朗什），创作时间是1869 年。描绘了夏娃在吃下禁果、堕落之后的悔恨与痛苦，神情哀伤、手臂遮面，身体蜷缩于岩石之上，展现出一种脆弱而羞愧的姿态。这件作品完美体现了19世纪学院派雕塑对人体细节的精准刻画与道德寓意的传达。
下面雕塑作品是让-巴蒂斯特·卡尔波 (Jean-Baptiste Carpeaux) 的一件杰作，名为《四方世界》（法语为：Les Quatre Parties du monde soutenant la sphère céleste，意为“世界四大洲分擎天球”）。这座雕塑创作于1867年至1874年间，由奥斯曼男爵委托卡尔波为观察家花园设计。作品的主题是代表当时已知的世界四大洲——欧洲、亚洲、非洲和美洲——的女性形象，她们共同托举着一个刻有黄道十二宫标记的天球。这四位女性形象姿态各异，充满动感，体现了卡尔波作品中典型的活力和对运动的表现。
这件展示的是雕塑《荣耀之舞》（La Danse de la Gloire），也是由法国雕塑家卡尔波创作，完成于1869年。它以动态的舞姿和充满活力的女性形象为特色，象征着舞蹈和艺术的荣耀。这件作品是奥赛博物馆的重要展品之一。这件作品在当时因其大胆的写实主义和被认为有伤风化的裸露而引起了巨大的争议，甚至有人向其投掷墨水瓶以示抗议。然而，它也被许多人誉为突破传统学院派束缚的杰作，展现了卡尔波捕捉运动和情感的非凡才华。
下面这照片中的两座雕塑（前景和背景）分别是两件非常著名的雕塑作品，前景（左侧/近处）雕塑是《三个影子》（Les Trois Ombres）由艺术家奥古斯特·罗丹（Auguste Rodin）创作时间：约1880年，材质是青铜。这组雕塑原是罗丹《地狱之门》（La Porte de l’Enfer）的一部分，表现三位相同形体的裸体男性，他们低头、手指向下，象征对命运的沉重指引。这组雕像本身常被单独展示，也常与《沉思者》一起展出。
背景（右侧/远处）雕塑：《法兰西共和国的胜利》（La Gloire de la République Française），由学院派艺术家Jean-Baptiste Hugues创作，时间约1903年，材质是石膏模型。这组雕塑原为巴黎市政厅上的装饰，描绘象征“法兰西共和国”的女性形象居于中央，手持火炬，象征自由与胜利，两侧是寓意法兰西国家力量和自然资源的古典神祇或生物，如公牛（农业）、人神等。是第三共和国时期象征国家理念的代表作。
眺望圣心大教堂：艺术与信仰的对话
站在奥赛博物馆的楼层，尤其是较高的展厅的窗边，我们的目光可以越过塞纳河，遥望北方的蒙马特高地上洁白的圣心大教堂 (Basilique du Sacré-Cœur)。这座宏伟的罗马拜占庭式建筑，以其纯白的立面和标志性的圆顶而闻名。眺望远处的圣心大教堂。在印象派和后印象派画家的作品中，巴黎的城市景观曾成为他们描绘的对象。此刻，眼前的景象，或许也曾出现在某位大师的画作之中。艺术与信仰，历史与现代，在这一刻巧妙地交织在一起，构成了一幅富有诗意的画面。我边拍了一张远景的巴黎塞纳河边的卢浮宫和远方高处的圣心大教堂。
印象派的曙光：捕捉流动的瞬间
我们来到了五楼的印象派的展厅。在这里，时间仿佛被凝固，每一幅画作都试图捕捉光线和色彩在瞬间的变化。
莫奈 (Claude Monet)：
下面《睡莲》系列 (Les Nymphéas): 虽然奥赛博物馆收藏的《睡莲》数量不如橘园美术馆，但这里的几幅依然令人陶醉。巨大的画布上，色彩如同跳跃的音符，描绘出吉维尼花园池塘中变幻莫测的光影。你能感受到空气的湿度，花瓣的轻柔，以及水面反射出的天空和树木，仿佛置身于那片宁静的自然之中。莫奈晚年对光线和色彩的极致追求，在这里展现得淋漓尽致。
这两幅画都是莫奈的画作《草地上的午餐》（Le Déjeuner sur l'herbe）的残存部分。左边的画是这幅画的左翼部分。右边的画是这幅画的中央部分。莫奈最初创作了一幅非常巨大的《草地上的午餐》，但由于种种原因，这幅画后来被损坏并被画家分割。现在我们只能看到这两部分以及一幅较小的习作。
这幅画是莫奈的《埃特尔塔的巨浪》（La Grosse Mer à Étretat）。画中描绘了诺曼底海岸埃特尔塔的壮丽海景，展现了海浪拍打悬崖的景象，以及岸边观看的人们。莫奈曾多次描绘埃特尔塔的景色，捕捉不同天气和光线下的海景。这幅画的构图和笔触都具有典型的印象派风格。
这幅画是莫奈（Claude Monet）的《菊花》（Chrysanthèmes）。描绘了一瓶盛开的菊花，花朵颜色以白色和粉色为主，花瓶是红色的，带有图案。背景是柔和的蓝色和灰色，展现了菊花的蓬勃生机和色彩的丰富变化。这幅画创作于 1878 年。
爱德华·马奈（Édouard Manet）：
这幅画是马奈的《瓶中的牡丹》（Vase de pivoines sur piédouche）。画中描绘了一瓶盛开的牡丹花，花朵颜色以粉色和红色为主，搭配绿色的叶子。花瓶放置在一个小 pedestal 上，背景是深色的。这幅画展现了马奈在静物画方面的才华，他运用 свободных мазков (free brushstrokes) 和鲜明的色彩来捕捉花朵的生动和美丽。
马奈的《草地上的午餐》
下面是两幅画，左边的是马奈（Édouard Manet）的《咖啡厅一角》（Un coin du café）。右边的是埃德加·德加（Edgar Degas）的《苦艾酒》（L'Absinthe），有时也被称为《在咖啡馆》（Dans un café）。
雷诺阿 (Pierre-Auguste Renoir) ：
这两幅画作是法国印象派画家皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿 (Pierre-Auguste Renoir) 于1883年创作的一组著名对画：左边的是 《城市之舞》(Danse à la ville)。 右边的是 《乡村之舞》(Danse à la campagne)。
这两幅画是雷诺阿受艺术品经销商保罗·杜兰德-鲁埃尔 (Paul Durand-Ruel) 委托创作的三幅关于舞蹈主题的画作中的两幅，另一幅是《布吉瓦尔之舞》(Dance at Bougival)，目前收藏于波士顿美术馆。
《城市之舞》
- 描绘场景：这幅画描绘了一对身着正装的优雅舞者在豪华的室内环境中翩翩起舞。背景中可以看到柱子和大型盆栽植物，营造出一种正式而精致的氛围。
- 模特：画中的女模特是艺术家苏珊·瓦拉东 (Suzanne Valadon)，她后来也成为了一名画家。男模特是雷诺阿的朋友保罗·奥古斯特·洛特 (Paul Auguste Lhôte)。
- 风格特点：与《乡村之舞》相比，这幅画的色调更为冷静，人物姿态更为内敛和庄重，体现了城市生活的优雅与克制。女舞者身着白色丝质或塔夫绸舞会礼服，戴着长手套，展现了当时巴黎上流社会的时尚。
- 描绘场景：这幅画则展现了一对情侣在户外欢乐起舞的场景。背景中可以看到一张凌乱的桌子和一个掉落在前景的帽子，暗示着乡村聚会的轻松与随意。
- 模特：画中的女模特是艾琳·查里戈特 (Aline Charigot)，她后来成为了雷诺阿的妻子。男模特同样是保罗·奥古斯特·洛特。
- 风格特点：这幅画的色彩更为温暖活泼，人物表情愉悦，尤其是女舞者带着微笑直视观众，充满了生气和欢乐。作品捕捉了乡村舞蹈的奔放与热情。
德加 (Edgar Degas) 的《舞蹈课》(La Classe de danse): 德加对芭蕾舞者的迷恋在这幅画中展露无遗。他并非仅仅描绘舞台上的光鲜，更关注后台的日常和舞者们训练的艰辛。画面构图大胆，光线运用巧妙，营造出一种窥视般的视角，让观者仿佛置身于排练厅的一角，观察着舞者们优雅的姿态和专注的神情。
后印象派的探索：个性的色彩与形式
告别了印象派的朦胧诗意，我们来到了后印象派的展厅。这里的艺术家们在继承印象派色彩革命的基础上，更加强调个性和情感的表达，探索了更加主观的艺术语言。
梵高 (Vincent van Gogh)
《自画像》(Autoportrait): 奥赛博物馆收藏了梵高几幅不同时期的自画像，每一幅都像是一面镜子，映照出他内心世界的波澜。自画像传递出他饱受折磨却又充满激情的灵魂。你能感受到他眼神中的忧郁和渴望，以及他对艺术的执着。梵高的一生，生的孤独，活的孤独，离去也孤独。不难理解他的自画像上孤独的痕迹。
这幅画是梵高的《阿尼埃尔的西雷纳餐厅》（Le Restaurant de la Sirène à Asnières）。
这幅画是梵高的《两个小孩》（Deux fillettes）。画中描绘了两个穿着蓝色衣服和白色头巾的小女孩，她们手持着白色的花朵，画面有一种朴实而略带忧郁的氛围，这幅画创作于 1887 年。
这幅画是梵高的《瓦兹河畔欧韦的教堂》（L'église d'Auvers-sur-Oise, vue du chevet），通常简称为《欧韦教堂》。画中描绘了位于法国瓦兹河畔欧韦的一座哥特式教堂，画面视角是从教堂的后部（chevet）望去。梵高运用了他充满表现力的笔触和强烈的色彩，特别是深蓝色和黄色，来描绘教堂的庄严感和周围充满生机的自然环境。前景中有一条分岔的小路，一个小黑影正走在其中，更增添了画面的意境。这幅画创作于 1890 年，是梵高去世前不久的作品，被认为是其后期非常重要的代表作之一。
这幅画是梵高的《科尔德维尔的茅草屋》（Chaumières de Cordeville）。画中描绘了位于瓦兹河畔欧韦附近的科尔德维尔村庄的几座茅草屋。梵高运用了他标志性的扭曲的线条和浓烈的色彩，描绘了房屋、树木和天空，赋予了画面一种充满动感和强烈情感的氛围。这幅画也创作于 1890 年，是梵高去世前不久的作品。
这幅画是梵高（Vincent van Gogh）的《加歇小姐在花园里》（Mademoiselle Gachet dans son jardin à Auvers-sur-Oise）。画中描绘了保罗·加歇医生的女儿玛格丽特·加歇（Marguerite Gachet）在位于瓦兹河畔欧韦的花园里的场景。描绘了花园中盛开的鲜花、绿色的植物以及在花园中散步的玛格丽特。这幅画展现了梵高在生命最后阶段对自然和人物的描绘。
这幅画是梵高的《加歇医生的花园》（Le jardin du docteur Paul Gachet）。画中描绘了保罗·加歇医生在瓦兹河畔欧韦的住所花园。描绘了花园中茂盛的植物、树木和远处的房屋。画面呈现出一种略带忧郁而又充满生命力的氛围，反映了梵高在生命最后阶段的情感状态。这幅画目前也收藏在巴黎的奥赛博物馆。
这幅画是梵高（Vincent van Gogh）的《意大利女子》（L'Italienne）。描绘了一位坐在蓝色椅子上的年轻女子，她戴着红色的头巾，穿着色彩鲜艳的衣服。梵高运用了他强烈的色彩对比，尤其是在背景的黄色和女子的红色服饰之间，来塑造人物形象。这幅画创作于 1887 年。
这幅画是梵高的《阿尔勒的卧室》（La Chambre à Arles）。这实际上是这个主题的第三个版本，创作于 1889 年末，目前收藏在巴黎的奥赛博物馆。梵高一生中创作了三幅描绘他在阿尔勒住所卧室的画作。第一幅和第二幅分别收藏在阿姆斯特丹的梵高博物馆和芝加哥艺术博物馆。这幅奥赛博物馆的版本描绘了房间内简单的家具，包括床、椅子、桌子和墙上悬挂的画作。梵高营造出一种既亲切又略带不安的氛围。蓝色和黄色是画面中主要的色彩。
这幅画是梵高（Vincent van Gogh）的《午睡》（La Sieste）。创作于 1890 年，是梵高在圣雷米精神病院期间临摹让-弗朗索瓦·米勒（Jean-François Millet）的同名作品。画中描绘了在收割后的田野里，一对农民夫妇在烈日下休息的场景。梵高用他独特的色彩和笔触，赋予了米勒的田园主题一种更加强烈和充满情感的表现力。背景中的干草堆和远处的景象也以梵高的典型风格呈现。
这幅画是梵高的《隆河上的星夜》（La Nuit étoilée sur le Rhône）。描绘了法国阿尔勒的隆河在星空下的夜景。深蓝色的夜空点缀着明亮的黄色星辰和月亮，星光倒映在流动的河面上，与岸边的灯光相互辉映。梵高捕捉了夜空的神秘和河流的宁静，营造出一种富有诗意的氛围。这幅画创作于 1888 年，目前也收藏在巴黎的奥赛博物馆。
这幅画是梵高的《吉普赛人的篷车，阿尔勒附近》（Les Roulottes, campement de bohémiens aux environs d'Arles），有时也被称为《吉普赛人的营地》（Caravanes, campement de Bohémiens）或《大篷车，吉普赛营地，阿尔勒郊外》（Caravans, Gypsy Camp near Arles）。描绘了停放在阿尔勒郊外的一群吉普赛人的篷车和人物，描绘了篷车、人物、马匹以及周围的自然环境。这幅画展现了他对不同社群和生活方式的兴趣。这幅画创作于 1888 年，目前收藏在巴黎的奥赛博物馆。
这幅画是梵高的《蒙马特尔的咖啡馆露台》（Terrasse de café le soir, place du Forum, Arles）。
这幅画是梵高（Vincent van Gogh）的《欧仁·博赫肖像》（Eugène Boch）。画的是梵高的朋友、比利时画家欧仁·博赫。他将博赫描绘在一个充满星光的蓝色夜空下，这象征了他对博赫的友谊和对诗意意境的追求。博赫的面容显得沉静而略带忧郁。这幅画创作于 1888 年。
这幅画是梵高（Vincent van Gogh）的《加歇医生的肖像》（Portrait du docteur Gachet）。这幅画描绘了保罗·加歇医生，他是梵高在生命最后阶段接受治疗和照顾的医生。画中加歇医生面带忧郁，手托着头部，桌上放着一本通俗小说和毛地黄——一种治疗心脏病的药物，也暗示了医生的职业。梵高运用了忧郁的蓝色和强烈的红色，来传达加歇医生的内心状态，同时也展现了梵高自身的情感。梵高创作了两幅加歇医生的肖像，这两幅画在构图和色彩上略有不同。这幅是收藏在巴黎奥赛博物馆的版本。另一幅版本曾于 1990 年在拍卖会上以高价成交。
这幅画是梵高（Vincent van Gogh）的《日本花瓶中的玫瑰和银莲花》（Roses et anémones dans un vase japonais）。描绘了一个绿色的日本风格花瓶，里面插满了盛开的玫瑰和银莲花，花朵颜色丰富，包括红色、粉色、黄色和白色。花瓶放置在一个红色的桌面上，背景是浅米色的墙壁。梵高赋予了花朵一种蓬勃的生命力。这幅画创作于 1890 年，也收藏在巴黎的奥赛博物馆。
高更 (Paul Gauguin) 的《塔希提妇女》(Femmes de Tahiti): 高更的画作充满了异域情调和神秘色彩。这幅描绘塔希提妇女的作品，色彩浓烈而富有装饰性，人物造型简洁而富有力量。他试图摆脱西方文明的束缚，在原始的自然和文化中寻找艺术的灵感。画面散发着一种宁静而又充满野性的气息。
保罗·塞尚 (Paul Cézanne) ：塞尚被誉为“现代艺术之父”，他对形式和结构的探索对后来的艺术发展产生了深远的影响。
这幅画是塞尚的《瓦兹河畔欧韦的加歇医生之屋》（La Maison du docteur Gachet à Auvers-sur-Oise）。加歇医生太有名了，引来两位画家为他房子作画。画中描绘了位于瓦兹河畔欧韦的保罗·加歇医生的住所。塞尚运用了他独特的笔触和对色彩的几何化处理，描绘了房屋、树木和天空，呈现出一种稳定而富有结构感的画面。这幅画创作于 1873 年，也收藏在巴黎的奥赛博物馆。
这幅画是塞尚（Paul Cézanne）的《小代尔夫特花瓶中的花束》（Bouquet au petit Delft）。画了一个小型的代尔夫特蓝陶花瓶，里面插着各种色彩鲜艳的花朵，包括红色、白色和蓝色的花。花瓶放置在一个桌面上，背景是深色的帷幔。塞尚呈现出花朵和花瓶的形态和质感，以及他对静物画的独特理解。这幅画创作于 1873-1874 年，也收藏在巴黎的奥赛博物馆。
新艺术运动的优雅：曲线与自然的融合
除了绘画，奥赛博物馆还收藏了许多精美的新艺术运动时期的雕塑、家具和装饰艺术品。这些作品以流畅的曲线、自然的元素和精湛的工艺为特点，展现了那个时代对唯美主义的追求。
这幅画是泰奥多尔·夏塞里奥（Théodore Chassériau）的《温水浴室》（Le Tepidarium）。描绘了一群在温水浴室（古罗马浴场中的一个温室）里的妇女。一些妇女站着脱衣服，而另一些则坐着交谈。气氛显得感性和慵懒。建筑风格暗示了罗马的背景，有拱门和装饰元素。夏塞里奥是一位法国浪漫主义画家，他的作品融入了东方主义和古典主义的主题。这幅画展示了他对描绘女性形体以及营造异国情调和令人回味的氛围的兴趣。
这幅画是让-保罗·洛朗（Jean-Paul Laurens）的《提比略的流放》（Les Exilés de Tibère）。描绘了一群在船上的人物，他们似乎正在被流放。一个中央披着斗篷的人物指向远方，可能指示着他们的目的地。人物们表现出各种各样的情绪，从绝望到无奈。背景是海岸景观，远处有山脉，还有一艘船正在驶离。让-保罗·洛朗是 19 世纪法国画家，以其历史和戏剧性场景而闻名，这些场景经常描绘不公正或苦难的时刻。这幅画符合这一主题，唤起了一种被迫流离失所和失落的感觉。
这幅画是让-弗朗索瓦·米勒（Jean-François Millet）的《拾穗者》（Les Glaneuses）。描绘了三位农妇在收割后捡拾田地里遗落的麦穗。她们正在捡起收割者遗留的散落的麦穗。在背景中，可以看到更大的堆放的谷物和其他人物。米勒以其现实主义的乡村生活和工人阶级描绘而闻名。这幅画是他最著名的作品之一，它深刻地描绘了这些妇女辛勤的劳动和尊严，她们收集着收割后剩余的谷物。
这幅画看是威廉-阿道夫·布格罗（William-Adolphe Bouguereau）的《但丁和维吉尔在地狱》 (Dante et Virgile aux enfers)。描绘了但丁·阿利吉耶里《地狱篇》中的一个场景，但丁和他的向导维吉尔目睹两个受诅咒的灵魂之间残酷的争斗。其中一个人物正咬着另一个人物的脖子。在背景中，可以看到地狱烈火深处其他受折磨的人物和恶魔般的生物。布格罗以其学院派风格以及经常描绘神话或寓言题材的画作而闻名，他在这幅作品中捕捉到了但丁的幻象中戏剧性和恐怖的本质。
这幅画是古斯塔夫·库尔贝（Gustave Courbet）的《画家的画室》（L'Atelier du peintre）。是一幅巨大的寓言画，描绘了库尔贝在他的画室中，周围环绕着代表他生活和艺术哲学不同方面的各种人物。左边的人物代表“其他人”，即参与日常生活的人们。右边是他的“朋友”，包括知识分子、作家和艺术收藏家。库尔贝本人则位于中心，正在画一幅风景画，旁边站着一位裸体模特。这幅画充满了象征意义，反映了库尔贝的现实主义艺术理想以及他对艺术家在社会中角色的看法。
漫步在奥赛博物馆的各个展厅，经历了一场充实的艺术之旅。从印象派的光影变幻到后印象派的个性表达，再到新艺术运动的优雅精致，每一件艺术品都承载着艺术家独特的视野和情感。
艺术的魅力在于它的永恒，它能够跨越时空，触动一代又一代人们内心最深处的情感。想象着漫步在昔日的火车站，如今却沉浸在一片印象派和后印象派的艺术光辉之中，这本身就是一种奇妙的体验，奥赛博物馆值得一游。
