??查理老师非常荣幸，在半个月前被湖南卫视《声入人心》节目组邀请，亲临了第七期的录制现场进行观摩。现场没有经过任何后期制作的场景、画面、声音，让我真正近距离的接触到了各位歌者最真实的舞台表现。并且有几位让我特别欣慰与感动的歌手的出色演唱，在我脑海中久久挥之不去。在现场听起来因为身临其境的缘故，效果就会比屏幕里听着更真，更立体。
所以这一期的点评是我在现场亲眼看到、亲耳听到的舞台效果的一些感受。
特别赞美各位编曲老师，为歌手们量身打造出最适合他们的作品。
《一江水》
演唱：简弘亦，龚子棋
作词/作曲：王洛宾，瓦古班诺娃
编曲：钟兴民，张筱真
这首歌是西部歌王王洛宾老先生50年代的作品。歌曲旋律有着明显的俄罗斯民谣风。简弘亦的声音先亮相。歌手们演唱的时候，气感十足的弱胸混声音色一般用来表现惆怅、感叹、怀念、梦想等感情色彩。所以简弘亦出口第一句便引人入胜，进入他编织的“风雨带走黑夜，青草滴露水”的画面中，有对梦想充满向往以及哀婉叹息的情绪指向。“大家一起来称赞，生活多么美” 这一句歌词本身就藏着一种黑色幽默式的自嘲意味。演唱时，语气里潜藏无奈。简弘亦把握的很细腻。然后龚子棋的声音出现在“我的生活和希望总是相违背”，音色非常具体，集中，和简弘亦的气混声形成对照，恰好暗合了从理想走入现实的场景转换。他们二人是非常微妙又恰当的组合。音乐的编曲这时候从欧洲古典风转入南美洲的波萨诺瓦爵士，顿时节奏律动变得错落有致而慵懒性感，增添了舞蹈性。二人找对了适合自己的风格，他们对这种曲风乐感和音色的把握都很到位。其中很多乐句微妙的滑音处理也十分恰当，语气和态度的表达方式，角色的定位都很准确。而且两位男声的音色放在一起贴合度也很高。非常有魅力的两个男声。
《Memory》（回忆）
演唱：周深
作词：Trever Nunn/Thomas Eliot
作曲：Andrew Lloyd Webber
编曲：张筱真/宋鸽
编曲别出心裁的用了法国香颂女王 艾迪特·皮雅芙（Édith Piaf，1915年12月19日-1963年10月11日）1946年的成名曲<La Vie En Rose>（玫瑰人生）的经典片段作这首歌的序幕。爵士乐的节奏和香颂音乐的混搭，听起来浪漫缠绵。寓意也很好：玫瑰人生就埋在回忆的深处。
周深的声音在现场听起来的感受是有一股“仙气”，飘逸梦幻，余音袅袅。他的嗓音一直保留着天工自然的状态，并不是经过了层层修饰和刻意训练之后获得的那种特殊音色。所以在一众假声男高音里，唯有他的色彩是纯天然的。
《memory》这首歌出自Andrew Lloyd Webber 最脍炙人口的音乐剧《猫》，这首歌已被无数人翻唱过。周深的气声高音用的很恰当，不论是前面的《La Vie En Rose》片段，还是《memory》的主歌部分，表达的都特别到位。
其实两首歌的心境和意境并不同，然而混搭在一起从故事情节上又有着那么连贯的逻辑性。《La Vie En Rose》就是《Memory》的前半生。最后，当过往的繁华褪了色，于风烛残年里感叹着红消香断的玫瑰人生，有一种凋零虚无之美。
到了“Every street lamp seems to beat ”…这一段开始周深的声音也随着歌曲内容切换到中音区的胸声，语气变得深沉。其实周深并不是一个擅长中低音的歌手，但是这一段的音色还是比较到位的，压得够稳。整首歌，他的角色把握特别准确，语气处理尤其细腻，在每一个抑扬顿挫之间精雕细刻。是因为对作品的理解够深。其中那句Daylight , i must wait for the sunrise .处理的绝妙。他就像一个善于造梦的精灵，叹息之间便是大梦一场。至今记得，我当时在现场听这首歌，只感觉魂魄都守不住了。
以下观点见仁见智：本人唯一觉得，这首歌不应该在后面用中文演唱，因为前面语言、音乐、意境、画面，逻辑线条，等一切一切的组合，都是那么的和谐流畅。突然的切换了语言，有点像惊醒了美梦，重新睡也拼不上那个故事了。虽然周深的语感和乐感使得这首歌完整性很强，但总有一种说不出的小小遗憾。
《She is my sin》
作词：Tuomas Holopainen
作曲：Tuomas Holopainen/Tero Kalle Sakari Kinnunen/
编曲：钟兴民，张筱真，宋堃
填词：黄韵玲
来自芬兰的美声跨界金属乐团Nightwish 专辑《Wishmaster》
演唱：高天鹤
话说这个死臭小子！看了这么多期下来，我算是看明白了。他的声音形态就是很适合唱那种“非主流之美”的音乐作品。比如惊艳的、华丽的、暗黑系的、诡异的、妖魅的、精灵的、反叛的，等等这些元素，他都可以表现到位。在曲风上面，他可以涉猎的有巴洛克、古典、摇滚、电子，等风格。他的音色其实有一种超现实主义的特殊性。只要选合适的作品，仔细雕琢，会是不错的艺术品。而普遍的表达主流情感的一些大流行作品，在他口中可能会变得非常～“平凡”～（有一期花絮里后台翻唱陶喆的歌表现就很平凡）。他确实不是大家所期望的那种。像他这种不一样的烟火，就应该绽放在中世纪吸血伯爵的城堡里才对，比如摇滚乐里的哥特式金属，就有那种阴森冰冷又华丽的中世纪风格。或者，在巴洛克歌剧里，他可以扮演希腊神话里那些为爱痴狂的上古情种。在古典音乐里，他可以是莫扎特《魔笛》中的夜后，富有摇滚精神的暗黑邪恶角色。在流行音乐里，他可以唱电子音乐，比如北欧的性冷淡风。而整个创作团队包括编曲，都需要合力量身打造才可以。
所以，这个人只要恰好选对了歌，他会大放异彩。比如这首《She is my sin》就是典型的哥特式金属风格的作品。他的音色和这首歌的编曲、气氛恰好合适。他的假声高音和廖佳琳或者周深他们都不一样，他像一个空洞，里面透着光。再加上波光粼粼的细碎颤音，有一种画面感很强的魔幻效果。所以我说他也适合电子音乐。即使这首歌高音过后中间那段真声的演唱，也是冷色调的，这种音色的切换就像妖怪化身的人行，没有人味。在人间稍作停留之后又飞升天际。最后的花腔跳音完成的不错，竟还有一点莫扎特《夜后咏叹调》的影子。他技巧如果再升级一点的话，应该可以唱《第五元素》中的那首插曲。他正好就是那种外星人。
说起高天鹤的发声技巧，廖昌永老师指出了“位置低，顶在了天花板上”，并且做了一个“倒扣抬起的手势”。这些信息所代表的意思，非专业的人可能看不懂。我来解释一下：声乐演唱中在遇到高音的时候，始终要有一个高位置的共鸣，而高位置共鸣的来源则是要有上抬软腭的动作，廖老师的手势代表的就是后口腔上部软腭的抬起动作（我们常说的“喉咙打开”也是为了达到这一目的）。而说他“顶在天花板”上便很好理解了，因为软腭抬起不足，造成上部头腔共鸣空间的不足。所以，共鸣上限比较低，便有了“位置低”的听觉感受。另外，我觉得，换声区的声音也要注意经常巩固使用一下，不然可能会比较容易出现共鸣断层。他每次演唱都会用跳跃音色的方式避开换声区。这是扬长避短，既是长处也是短处。
我再解释一下李琦和王晰讨论的高天鹤的声音压限问题。“压限”（压缩/限制）是一个录音专业术语。歌手在录音棚或者舞台现场使用麦克风的时候，有时候如果和话筒距离过近，或者声压太强的话，可能会造成声音录入过载现象。所以后期制作的环节，就需要混音师用设备和技术把声音压缩限制在一个合理平衡的范围内，不然听起来会有“炸”的感觉。而歌手如果本身对自己的声音没有做到“压限”的话，在录音棚里就会很吃亏，声音过载严重超标，后期修音就会失真很多。所以歌手们在训练发声的时候应该学会尽量用嗓音自行压限，这样不光声音好听，而且给后期混音师很大的制作空间，能把声音修的更美。高天鹤的这一场，我在现场听到的声压确实是比较大的，不过，因为有戏剧效果需求，所以，要有一定的燃点和爆发力也是应该的。尚且属于比较安全的范围。
音乐剧《美女与野兽》选段
演唱：郑云龙，张超
作词：Howard Ashman 填词：陈少琪
作曲：Alan Menken
编曲：钟兴民，张筱真
郑云龙在音乐剧中是如鱼得水的，从前说过，他最大的优势便是细腻动人、深情款款的语言表达。当这种表达方式应用在歌唱中的时候，便成为了一种修养很高的表演艺术。歌唱的语气映射了角色的一切内心活动，情感逻辑，同时也让我们看到演员的领悟力和塑造力。在这一点上，郑云龙是优秀的演员。他的声音技术方面，音色在混声区表现不错，同时又比较接近人性化的说话的声区，用在歌唱中便是“说着唱”的感觉。同时，身为戏剧演员，出色的台词，也让他的咬字非常清晰，传达的透彻准确。
张超的演唱是一个迟来的惊喜，他的乐感和语感很出色，而且音色非常的深沉浑厚，温暖踏实，包容感很强。他和郑云龙两人在发声动作，以及共鸣的模式上不太一样。他的喉咙更开，喉位低下，所以我们听到他胸腔共鸣的饱满度大于郑云龙。这也来自于两人的专业的不同，一个是音乐剧，一个是歌剧。然而，他们的搭配并没有突兀或不贴合之处。一个是中低频一个是中高频，两人的频段叠加起来更显得立体丰满。
两人的演唱情感表达细致入微，真挚热情，内心滚动着火焰。现场听的时候很被震撼。尤其张超的声音一出，在现场的环境下，有一种环抱着听众的效果。那句“看你的笑容，谁能不动容”的声音处理特别的让人沉醉。喜欢唱歌，找不到感情的同学们，可以听一下这一组的演唱，他们是不错的示范。
《世界之王》
音乐剧《罗密欧与朱丽叶》选段
演唱：阿云嘎，洪之光，余笛
作词/作曲：Gerard Presgurvic
编曲：张筱真，王蒙
这首歌现场听起来简直燃爆了。
先说余笛的起头，这个曲子的前奏和演唱的第一句之间很不容易找到调。首先，从调式上面分析，这首歌的前奏和主旋律之间的关系属于【同主音大小调】的转换，如果歌手反应慢一点，根本会措手不及。而且比较“变态”的难度在于前奏的最后一个音是落在了【D自然小调】的【上主音】（II级音E），可是主旋律的第一个起始音却是【D自然大调】的【中音】（III级音#F）。这前后在两个调式之间错开一个大二度的距离，有着逻辑差异。所以，一般情况下，听着这样的前奏唱主旋律，如果依靠日常的【首调】思维去推导它的话，那是一定会唱跑调的。这时候应该牢牢的把握住前后两个音的音程关系，方才不会出错。真是考验大脑的一个环节。所以余笛一开始的那个音给人一种错愕的走音的感觉，其实并不是真的走了音，而是曲子就做成了“走音”的听觉效果。
再来说一下三个人的发声。余笛带有一些跨界的音色，共鸣方式介于美声和流行之间，洪之光用的是纯美声的戏剧效果音色，阿云嘎是音乐剧/流行唱法。三人的声音其实现场听的时候并没有像视频里如此的均衡，我猜是后期的时候把洪之光和余笛的声音做了压限，同时阿云嘎的声音给了激励。因为我当时最明显的感受就是，洪之光和余笛的声压很大，盖过了阿云嘎很多。阿云嘎说话式的发声在这两个强大的共鸣体中间显得尤其吃亏。廖昌永评价三个人的演唱唯有阿云嘎的角色是准确的，这一点我非常认同。因为这首作品的本质是音乐剧选段，而且曲风有着很重的摇滚元素，歌手的音色不宜处理成古典歌剧音色。在语气表达方面，应该侧重于语言化生活化。阿云嘎帅气不羁洒脱松弛的表现力是恰到好处的。这样演唱是这首歌最准确的面貌。然后，余笛的声音也比较接近曲风，不过他的声音和阿云嘎不同，显得“规矩”了一些。洪之光的声音体量很大，共鸣饱满厚重，但是角色和曲风的把握上面稍稍的偏向了另一边。阿云嘎和郑云龙一样，他们确实是属于音乐剧的歌手。只要把他们放在音乐剧中，他们的声音，气质，表演，台风，一切都是对的。所以，这首歌中，阿云嘎的表现是最出色的。
《The Sound Of Silence》（寂静之声）
电影《毕业生》插曲
演唱：鞠红川，王晰，李琦
作词/作曲：Paul Simon
编曲：张筱真，宋堃
特别说明一下，这首歌本场最佳，没有之一！现场听的时候完全的被三个人强大的声音魅力感动、震撼到五体投地。他们营造出来的气氛从最初的寂静到最后排山倒海的覆盖，整个的吞没了现场所有观众的灵魂。毫不夸张！他们三人严丝合缝的那种默契感、层次感和情感张力的变化，非常的精确，这是严格的排练加上超高的情商才能把握好的一种表现力。音色和气息的稳定流畅，踏实，反映着深厚的歌唱基本功。音色和声压的把控，还有三个人对作品的理解是完全一条心的统一，所以默契度相当高。他们在本场的表现给了我们最好的教科书式的男声三重唱示范。
王晰的声音，在现场听起来特别特别的舒适，前奏音乐在最安静的时候，他的如大提琴一般的音色缓缓送出，在寂静的沉沉夜幕里充满虔诚肃穆的仪式感。他缓缓的走着，带着使命一般，高贵的让人不敢走近，只能远远的崇拜着。于是，台上台下顿时隔开了一片星空和大地的距离。他包围着我们，化作空气里的每一个看不见的因子，从呼吸之间，流入你的身体中、汇入永恒的意念之河。
鞠红川的音色偏于中高位置，暖暖绵绵的鼻腔共鸣音色，像痴醉在美酒中慵懒性感的呢喃。
李琦的声音里，因为有流行音色的自由度，所以，粗砺沙哑的气声胸声混声一并的用齐全了，语气中隐约苦涩的质感，仿佛心灵在流浪。
在副歌部分的和声，三个音色稳稳地铺开，织成一片透过夜雾的光，纱一般的笼罩过来。
随着歌曲逐渐进入新的层次，李琦的声音领先走出，带着三个人的声音也更推进了一步。这时候李琦的共鸣腔打开，声音的通道感也出现，开辟了一条新的路。另外两人的和声依旧紧紧贴着这位流浪者。非常妙的是，每当一个人唱主旋律的时候，另外两人的和声营造的氛围就暖烘烘的包裹上去，就像一件贴身的衣服，烘托着主旋律。这是多么心灵相通的默契！李琦的主旋律部分语气情深意重，非常感人，高音的时候声音压缩的特别统一，干净明媚。然后鞠红川更进一步的切入美声音色，走上一个新台阶，整首歌的张力又拉开了一层，开始出现了雄壮的戏剧性。那句And the people bow and prayed . To the neon god they made . 后面李琦沙哑的高音特别出彩，赋予了这首歌最极致的内心撕裂感。三个悲壮伟岸的男人，仿佛用整个生命点燃理想的烈火，给人间无数苦难迷茫的灵魂做了洗礼。我当场止不住泪水横流，视觉顿时变成一圈圈斑斓模糊的光晕，我感觉自己看到了神。
那一晚，我睡的很踏实。。。
又熬了一整夜，整理完的时候已经是 2018年12月16日06:10分
